Design Dialogues

Verity-Jane Keefe, visual artist, explores the complex relationship between people and their environment in her work. Through moving images, text, and installation, she examines public space not only as a physical location but also as a place of stories, memories, and interactions. Her practice focuses on urban redevelopment, questioning how art can contribute to making both existing and often invisible communities more visible and empowered.

In this lecture, Verity-Jane Keefe engages in conversation with Irish graphic designer Paul Bailey, who approaches graphic design as a critical tool to unravel the complexities of contemporary culture.

During this Design Dialogue, both speakers explore the connections between art, design and urban development, the role of creativity in building meaningful connections, with a focus on interactions within communities, in a time when the relationship between people, space, and culture is constantly evolving.

SPEAKERS

Verity-Jane Keefe

Verity-Jane Keefe is a British visual artist working predominantly in the public realm to explore the complex relationship between people and place.

She is interested in the role of the artist within urban regeneration and how experiential practice can touch upon and raise ambitions of existing and invisible communities. Since 2003 she has been developing new models of practice within municipal, collaborative contexts – following long term residency approaches that produce outcomes that explore the politics of participation. Her practice takes many forms, but always starts with lurking, place and archives. The incidental, the overheard, the conversation, the observed. Working with text, moving image, site-based research, archives, installation, print, social structures and object. She is recently delivered a public commission with Towner Gallery (Eastbourne) and is the current Wheatley Fellow and Incidental Artist with Eastside Projects (Birmingham), and is a pre-doc candidate at ZHdK (Zurich). She is an associate lecturer at Central Saint Martins where she teaches on the BA Fine Art XD pathway and was formerly a Unit Master at the Architectural Association.

Paul Bailey

Paul Bailey is an Irish graphic designer, researcher and educator based in London (UK), exploring a practice that is made public through exhibitions, publications, performances, workshops, writing, teaching and curation.

He has collaborated with various artists, organisations and institutions such as Forensic Architecture, Victoria & Albert Museum, Royal Institute of British Architects and Irish Museum of Modern Art. His studio practice, teaching and research have been awarded, exhibited and published internationally.

He has been an invited presenter, critic, jury member and examiner at a range of international institutions such as Architectural Association, Central Saint Martins, Goldsmiths University, Royal College of Art (UK); Icelandic Academy of the Arts (IS); National College of Art & Design (IE). He co-authored and directed the MA Graphic Media Design course at London College of Communication, UAL (2014-22), and was an advisor at the Jan van Eyck Academie (2015-18).

He is presently Professor for Communication Design & Research at HfG Karlsruhe (DE); pursuing a PhD in the Arts at KASK & Conservatorium (BE); and leads an independent design-research studio (UK). He recently published ‘I Shivered Violently / Don’t be Startled in the Night’ with Bryony Quinn (Set Margins’)

Design Dialogues

Design x Connection is part of the curated lecture series Design Dialogues organised by the design department of KASK & Conservatorium and Design Museum Gent. Unique voices from the broad field of design are invited to reflect on the role, impact, and future of design in a changing world. Each lecture is a critical dialogue centered around a theme and concludes with an open discussion between the speaker and the audience. Our mission: to provide engaging perspectives that empower design students and enthusiasts to tackle the challenges of today and tomorrow.

with Ruben Pater (NL), moderated by Liesbeth Huybrechts (BE)

What is the responsibility of designers in the climate crisis? In a time when the most important communication platforms are owned by a handful of billionaires, and fake news is simply a business model? As a graphic designer and researcher, Ruben Pater explores this question. In his books The Politics of Design (2016) and CAPS LOCK (2021), he investigates the historical connection between capitalism and design, as well as possible alternatives. How can designers contribute to the public good with a view to a livable, sustainable, and just future?

Together with Professor Liesbeth Huybrechts, who has researched the relationship between design and politics, Ruben Pater examines local examples to explore how a conscious design approach and caring design skills can help visualize, shift, and activate relationships—not only between people but also between humans, the built environment, and nature. This lecture is an invitation to critically reflect on the role of design in a time when cultural sensitivity and political responsibility are more urgent than ever.

Ruben Pater (NL)

Ruben Pater is a Dutch designer at a moment in time when more design is about the last thing the world needs. In search of ethical alternatives he designs, writes, and teaches. After receiving his bachelor degree in graphic design in Breda, Ruben Pater worked as a designer for different studios in the Netherlands. His work experience led him to pursue a master degree at the Sandberg institute in Amsterdam, which he completed in 2012. His practice has combined journalism, activism, and graphic design under the name “Untold Stories”. He is the author of two books on visual communication and design; The Politics of Design (BIS, 2016) and CAPS LOCK (Valiz, 2021). His work has received several international awards and is featured in exhibitions around the world. He lives and works in Barcelona and teaches at the Elisava School of Design and Engineering and the BAU college of arts & design.

Liesbeth Huybrechts (BE)

Liesbeth Huybrechts is an Professor working in the fields of participatory design, design anthropology, and spatial transformation processes within the research group Arc, Civic and Policy Design at the Faculty of Architecture and Arts at Hasselt University in Belgium. Her research focuses on designing for/with participatory exchanges and capacity-building processes between humans and the material/natural environment, as well as the ‘politics’ of shaping these relationships. She explores these themes in various research projects (fundamental, funded by the European Union, or commissioned by governments, public, and private organizations), in educational projects, and in her work in coordination and policy.

Design Dialogues

Design x Politics is part of the curated lecture series Design Dialogues organized by the design department of KASK & Conservatorium and Design Museum Gent. Unique voices from the broad field of design are invited to reflect on the role, impact, and future of design in a changing world. Each lecture is a critical dialogue centered around a theme and concludes with an open discussion between the speaker and the audience. Our mission: to provide engaging perspectives that empower design students and enthusiasts to tackle the challenges of today and tomorrow.

Theo De Meyer (BE), moderated by Geert Belpaeme (BE)

Can the focus on "play" in design and architecture change the way we experience objects and spaces? In this Design Dialogue, Ghent-based architect Theo De Meyer invites you to explore the potential of play in architecture and design. Under the title “State of Play” he collaborates with Stefanie Everaert to examine the role of play in the design process. Together, they investigate how play uniquely combines form, function, and meaning. Their approach goes beyond pure amusement; the element of play fosters creativity and makes design both accessible and meaningful.

During his lecture, Theo De Meyer shares his vision on the intersection of play and design. How does "play" influence the interaction between people and their surroundings? How can it inspire designers to think beyond conventions? Drawing on his expertise and practical experience, De Meyer sheds light on how such an approach not only leads to innovative solutions but also contributes to the creation of spaces and objects that resonate with a wide audience. With play as a starting point, creative boundaries are pushed, bridging functionality, aesthetics, and human experience.

Theo De Meyer will also engage in conversation with artistic researcher and KASK & Conservatorium lecturer Geert Belpaeme, who uses the practice of the actor as a basis for a broader exploration of play and the formation of meaning in our existence.

Speakers

Architect Theo De Meyer (BE) lives and works in Ghent. De Meyer alternates between architecture, design and the arts, often reconciling the various disciplines in his projects. He plays with context and scale, interprets and transforms, creating new worlds from the act of building. In addition to his work as an architect, De Meyer is also teaching. Collaboration plays an important role in his cross-disciplinary practice. He and Stefanie Everaert (Doorzon Interieur Architecten) together represent the core of the modular collective Stand Van Zaken (‘State of Play’). They create furniture and architecture in collaboration with specialists in various fields. Driven by the shared enthusiasm of its members, Stand van Zaken supports the creation and development of objects, buildings and ideas.

Geert Belpaeme (BE) is a theater maker and performer. He graduated in 2010 from the drama program at KASK & Conservatorium, where he has since been teaching and conducting research. His work focuses on the power and relevance of clowning as a contemporary practice. His artistic language combines playfulness with philosophical rigor in performances that aim to challenge the dominant narratives of our time. He has also recently written the essay ‘De speelse mens’ (The playful human), a philosophical exploration of playfulness in our existence.

Design Dialogues

Design Dialogues is a curated lecture series organized by the design department of KASK & Conservatorium and Design Museum Gent. Unique voices from the broad field of design are invited to reflect on the role, impact, and future of design in a changing world. Each lecture is a critical dialogue centered around a theme and concludes with an open discussion between the speaker and the audience. Our mission: to provide engaging perspectives that empower design students and enthusiasts to tackle the challenges of today and tomorrow.

Floriane Fo Misslin (FR) & Bebe Books (BE) moderated by Anna Luyten (BE)

How can queer methodologies and perspectives enrich the world of design? This Design Dialogue focuses on the necessary integration of LGBTQ+ methodologies and perspectives in the field of design.

In current debates on design and gender, there’s often a focus on the neglected or contested female body as well as the perpetuation of stereotypical gender identities. While these issues are important, they only represent the tip of the iceberg. Creating a truly inclusive design approach requires the incorporation of diverse perspectives and experiences of queer individuals and those with non-normative gender identities.

The Ghent-based queer collective Bebe Books, specialised in designing contexts where diverse marginalised voices are represented, will engage in dialogue with London-based researcher Floriane Fo Misslin, whose doctoral research focuses on the experiences of LGBTQ+ fashion designers with the predominant standards in fashion (photography). During this dialogue, we will explore together how queer methodologies and perspectives can contribute to breaking traditional design paradigms and promoting inclusive design practices.

Design Dialogues

Design x Queer is part of the curated lecture series Design Dialogues organised by KASK & Conservatorium / HOGENT and Howest, and Design Museum Gent. Distinctive voices from the broad field of design are invited to reflect on the role and future of design in a changing world. Each Design Dialogue starts with in-depth presentations by the speakers around a specific theme, followed by a critical, moderated discussion and concludes with an open conversation between the speakers and the audience. Our mission: to provide engaging perspectives that could help us meet the challenges of today and tomorrow.

Can design be a catalyst for positive change and foster a more inclusive society? Design choices have a real impact on people’s cultural, social, economic, and political integration within society. In this Design Dialogue, Daniel Charny and Sara De Bondt shed their light on the vital connection between design and inclusivity. By sharing their expertise and insights, they delve into the multifaceted dimensions of inclusive design and explore its significance in shaping our future.

Inclusive design is centred around people. Individuals are not merely users of products and services. They are also active agents in decision-making, sense-making and change-making processes around design. To achieve true inclusivity, the design approach must extend beyond aesthetics and functionality. People’s physical, sensory, cognitive and affective factors must be considered in the design process, along with a broader technological, social, political, economic, environmental and cultural context in which they interact with things, other people, and the world. Such a holistic approach ensures that designs are not only visually appealing or functional, but also accommodate diverse human needs and abilities.

DANIEL CHARNY (UK)

Daniel Charny is a designer, educator and creative director recognised for a range of culturally significant projects from the Power of Making exhibition at the V&A museum to the global Maker Library Network and the award winning Fixperts learning programme. Alongside Dee Halligan, he co-founded Forth, a creative studio and Community Interest Company concerned with the new formats, models and spaces needed to support learning and engagement in a changing world. Active internationally, Charny advocates for design, creativity and making as essential tools to unlock a better future. He was awarded the Sir Misha Black Award for Innovation in Design Education and is a Professor of Design at Kingston University. During his lecture, Charny will reflect on inclusive design through the lens of the Fixperts learning programme.

SARA DE BONDT (BE)

Sara De Bondt is a Belgian graphic designer, publisher, researcher and teacher. In 2008, she founded the publishing house Occasional Papers with Antony Hudek. She teaches at ECAL in Lausanne and KASK & Conservatorium / HOGENT and Howest in Ghent where she is doing a PhD in arts. She previously taught at Central Saint Martins and Royal College of Art in London. De Bondt lectures regularly and was elected as a member of Alliance Graphique Internationale in 2017. In 2022, she published her most recent book, Off the Grid: Histories of Belgian Graphic Design, on the occasion of the exhibition of the same name she curated for Design Museum Gent. In 2022, she designed In Plain Sight for Wellcome Collection together with British architectural firm OMMX. This exhibition explored the different ways we see and are seen by others, and the different experiences of sighted, visually impaired and blind people.

Design Dialogues

Design x Inclusivity is part of the curated lecture series Design Dialogues organised by KASK & Conservatorium / HOGENT and Howest, and Design Museum Gent. Distinctive voices from the broad field of design are invited to reflect on the role and future of design in a changing world. Each Design Dialogue starts with in-depth presentations by the speakers around a specific theme, followed by a critical, moderated discussion and concludes with an open conversation between the speakers and the audience. Our mission: to provide engaging perspectives that could help us meet the challenges of today and tomorrow.

with Marlène Huissoud (FR) & Decentering Design (BE), moderated by Anna Luyten (BE)

Design x More-than-Human delves into the growing realisation that we humans are not the sole inhabitants of this planet with a unique perspective. More and more designers and artists are exploring what we can learn from the non-human entities with whom we share our planet and how we can establish an inter-species dialogue. Next to that, we will also discuss the urgent need for design to confront its exploitation of non-human species and their materials we extract for human use. We are at a pivotal moment, calling for a rethinking of design that takes into account the more-than-human world.

Marlène Huissoud (FR)

Marlène Huissoud is a Paris-based experimental designer working in the art and design world. In 2014, she received a MA in Material Futures from Central Saint Martins School of Art and Design in London with From Insects, a research project on materials derived from insects, such as the honey bee and the Indian silkworm. Marlène’s work challenges conventional design norms, prompting us to ponder the ethical implications of our relationship with natural resources and the role of design in today’s world. By uniting the chaos of nature with the human tendency to put meaning in everything, she dares us to consider whether it might be better to just let the world be. Her creations invite us to reconsider our human impact on Earth and advocate for responsible action.

Decentering Design (BE) | represented by Glenn Deliège

Decentering Design is a research unit exploring how designers can get to grips with working in and for a more-than-human world. Their basic intuition is that designing for a more-than-human world entails decentering the human experience within the design process. This is a necessary step towards recognising our world as a shared environment composed of a multitude of perspectives. Paradoxically, such a decentralisation of human experience starts with a rediscovery of our own sensoriality. Our senses are not passive sensors registering the environment, but active organs through which we can participate in a world of which we are clearly a part, but which at the same time always transcends ourselves: a shared, more-than-human reality. Through using and developing speculative design methodologies, Decentering Design aims to map out ways in which designers can take the more-than-human world into account.

Decentering Design is part of the research center Futures through Design by HOGENT & Howest, supported by KASK & Conservatorium.

Design Dialogues

Design x More-than-Human is part of the curated lecture series Design Dialogues organised by KASK & Conservatorium / HOGENT and Howest, and Design Museum Gent. Distinctive voices from the broad field of design are invited to reflect on the role and future of design in a changing world. Each Design Dialogue starts with in-depth presentations by the speakers around a specific theme, followed by a critical, moderated discussion and concludes with an open conversation between the speakers and the audience. Our mission: to provide engaging perspectives that could help us meet the challenges of today and tomorrow.

Is het al zo laat? Het gevoel voortdurend over te weinig tijd te beschikken is ons allemaal bekend. En dat gevoel lijkt alleen maar toe te nemen. Door de technologische ontwikkelingen wordt onze tijd steeds meer gefragmenteerd, waardoor we voortdurend achter de feiten aan te lijken hollen. We gaan in gesprek met twee designers die elk op hun eigen manier vat proberen te krijgen op onze omgang met tijd.

Momenteel structureert en stuurt klok- en kalendertijd het menselijk gedrag. Deze notie van tijd stamt uit onze voormalige agro-culturele samenleving, maar wordt anno 2023 nog steeds als vanzelfsprekend beschouwd. De Duitse ontwerper/kunstenaar en researcher Helga Schmid onderzoekt in haar werk alternatieve systemen van tijdsindeling die beter afgestemd zijn op onze huidige lichamelijke, mentale en sociale noden.

Het werk van de Belgische designer Nel Verbeke maakt ons bewust van onze relatie met tijd en noopt tot contemplatie en verstilling. Met haar recente reeks The Architecture of Time stelde ze het idee voorop dat een moment op zich een eigen architectuur verdient.

De lezing gaat online door. Schrijf je in via designmuseumgent.be om de Zoom-link & een herinnering op de dag van de lezing te ontvangen.

Sprekers

Dr Helga Schmid (DE) is een in Londen gevestigde kunstenaar/designer, onderzoeker en docent. Ze heeft een achtergrond als communicatie- en interactiedesigner en behaalde een postgraduaat aan de University of Applied Sciences in Augsburg, een masterdiploma aan de School of Visual Arts in New York en een doctoraat aan het Royal College of Art London. Schmid is resident in Somerset House en Program Director Graphic Design Communication aan London College of Communication. In 2018 was ze Designer in Residence in het Design Museum in Londen. Haar werk werd onder meer tentoongesteld in de Serpentine Gallery, het Design Museum, Dia Art Foundation NY, Z33 in Hasselt en het V&A Museum. Ze ontving verschillende internationale prijzen, waaronder de Art and Type Directors Award, en een Fulbright- en DAAD-beurs. In 2020 publiceerde ze het boek Uchronia: Designing Time.

Nel Verbeke (BE) is een in Brussel gevestigde designer die zich toelegt op het emotionele potentieel van design. Ze studeerde Concept Design aan de Design Academy in Eindhoven en volgde een opleiding Beeldende Kunsten aan Luca School of Arts in Gent. Vertrekkend vanuit onderzoek, waarin ze zowel terug- als vooruitblikt en kritisch reflecteert op de huidige tijdsgeest, komt ze tot situaties en objecten die onze relatie tot onszelf en tot wat ons omringt zowel bevragen als transformeren. Haar verfijnde en tijdloze creaties worden opgevat als proto-instrumenten: doordachte en delicate tools die toegewijde handelingen uitlokken en voorstellen in zich dragen voor toekomstige rituelen. Nel Verbekes werken herinneren ons aan het verstrijken van de tijd, creëren ruimte voor introspectie en contemplatie en nodigen ons uit om stil te staan en de emotionele ambivalentie van ons bestaan te omarmen. Nel Verbeke stelt haar werk tentoon in de context van Dutch Invertuals, BRUT en in diverse groepstentoonstellingen.

Design Dialogues

Design x Time maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door het Design Departement van KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Het concept is licht bijgestuurd: jong talent krijgt nu carte blanche om een ervaren expert uit te nodigen voor een inspirerende dialoog. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

Design X Female Building Power — met Vera Sacchetti & Mindy Seu, gemodereerd door Anna Luyten
Engels gesproken

Vandaag de dag is er een aanzienlijke toename van de zichtbaarheid van vrouwen in de designwereld. Maar zoals designcriticus Alice Rawsthorn samenvatte: "Moeten we dit verderzetten vanuit een dynamisch en kritisch discours... En hoewel er al veel hindernissen zijn overwonnen, wachten er nog vele andere."
Veel vrouwelijke designers hebben de grenzen van hun discipline verlegd en cruciale bijdragen geleverd aan het herdefiniëren van de betekenis van het begrip design. Ze tonen hoe vanuit een feministisch discours bestaande patronen van auteurschap, educatie en erkenning kunnen worden herzien. Ze plaatsen vraagtekens bij wie geschiedenis schrijft en wiens geschiedenis wordt geschreven. Zo geeft designer Mindy Seu een nieuwe kijk op de geschiedenis van het internet vanuit een feministisch perspectief en behandelt designcriticus Vera Sacchetti design en genderpolitiek in de vorm van teksten, tentoonstellingen en lezingen. Beiden plaatsen vrouwelijke ontwerpers op de voorgrond en pleiten voor hun zichtbaarheid als permanente conditie.

Vera Sacchetti (Lissabon, 1983) is een in Basel gevestigde designcriticus en curator. Ze is gespecialiseerd in hedendaags design en architectuur en is werkzaam als curator, onderzoeker en redacteur. Ze is programmacoördinator van het multidisciplinaire onderzoeksinitiatief Driving the Human: Seven Prototypes for Eco-social Renewal (2020-2023), en mede-oprichter van het Design and Democracy platform (2020-). Sacchetti is docent aan HEAD Genève en maakt sinds 2020 deel uit van  de Federal Design Commission of Switzerland. Samen met Matylda Krzykowski initieerde ze ook Foreign Legion, een curatorieel initiatief dat zich onder meer richt op design en genderpolitiek. Foreign Legion cureerde de tentoonstelling Add to the Cake: Transforming the rules of female practitioners (2019) en organiseerde aansluitend het symposium A Woman’s Work (2019).

Mindy Seu (Californië, 1991) is designer en technoloog gevestigd in New York. Haar diverse praktijk omvat archiefprojecten, techno-kritische teksten, performatieve lezingen, ontwerpopdrachten, het delen van informatie - meestal in de vorm van lijsten en spreadsheets - en samenwerkingen. In haar meest recente werk onderzoekt ze de historische voorlopers van de metaverse en onthult ze de materialiteit van het internet. Mindy’s continuerende Cyberfeminism Index, die drie decennia online activisme en internetkunst verzamelt, werd ontwikkeld in opdracht van Rhizome en in online vorm gepresenteerd in het New Museum. Voor de geprinte versie ontving ze een Graham Foundation Grant. Mindy Seu is assistent-professor aan de Rutgers Mason Gross School of the Arts en criticus verbonden aan Yale School of Art.

met Hella Jongerius & Amandine David, gemodereerd door Anna Luyten

De laatste jaren zien we in de ontwerpwereld een hernieuwde belangstelling voor het ambacht en de uniciteit van handgemaakte objecten.

De Japanse filosoof en oprichter van de Mingei (vertaald als ‘volkskunst’)-stroming, Yanagi Sōetsu (1889-1961), stelde dat de ambachtsman zich essentieel onderscheidt van designer en kunstenaar door zich dienend op te stellen naar materiaal, mens en maatschappij. Hij zag schoonheid in alledaagse gebruiksvoorwerpen gemaakt door onbekende ambachtslieden.

Steeds meer hedendaagse ontwerpers en designstudio’s laten zich inspireren door en verdiepen zich in traditionele ambachten. Oude technieken, waarin de hand van de maker centraal staat, worden gekoppeld aan moderne materialen, technieken en technologieën. Dit genereert nieuwe maakpraktijken waarbij vakmanschap hand in hand gaat met innovatie. De integratie van ambachtsprincipes binnen een hedendaagse ontwerppraktijk zorgt tevens voor een herwaardering van het maakproces en een viering van de unieke imperfecties van het eindproduct. De ‘dienende’ attitude van de ambachtsman kan tot slot nieuwe sociale dimensies genereren binnen een ontwerpproces.

Hella Jongerius (NL – 1963)

Hella Jongerius wordt internationaal beschouwd als een van de belangrijkste ontwerpers van haar generatie. Ze verwierf bekendheid door de eigenzinnige manier waarop ze industrie en ambacht, high en low tech, traditie en het hedendaagse combineert. In haar creaties tracht ze het juiste evenwicht te vinden tussen een industrieel serieproduct en een ambachtelijk vervaardigd unicum, steeds met bijzondere aandacht voor het maakproces en de relatie tussen gebruiker en gebruiksvoorwerp.

Jongerius' onderzoek is nooit af. De vragen die ze stelt in haar werk zijn open en de antwoorden provisoir in de vorm van (half)afgewerkte producten. Dat geldt ook voor alle ontwerpen van het door haar opgerichte Jongeriuslab: ze bezitten de kracht van afgewerkte producten, terwijl ze tegelijkertijd communiceren dat ze deel uitmaken van iets groters, met zowel een verleden als een onvoorspelbare toekomst. Door deze werkwijze benadrukt Jongerius niet alleen het belang van het proces, maar betrekt ze ook de kijker, de gebruiker, bij haar onderzoek.

Amandine David (FR/BE – 1988)

Amandine David is een in Brussel gevestigde Franse ontwerper, afgestudeerd aan Design Academy Eindhoven. Haar praktijk en onderzoek bevinden zich op het kruispunt van digitale technologieën en traditionele ambachten, zoals keramiek, vlecht- of weeftechnieken. Ze ziet verbinding, samenwerking en kennisdeling als een methodologie en kans om ontwerpprocessen te herdefiniëren. Ze is ook mede-oprichter van Hors Pistes, een nomadisch residentieprogramma dat uitwisselingen en samenwerkingsverbanden initieert tussen ambachtslieden en designers uit verschillende disciplines en culturen.

Design Dialogues

Design x Craft Attitude maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door de vakgroep design en vormgeving van KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Het concept is licht bijgestuurd: jong talent krijgt nu carte blanche om een ervaren expert uit te nodigen voor een inspirerende dialoog. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

met Formafantasma (IT) & Studio Plastique (BE) gemodereerd door Caroline Bianco (FR)

Design Dialogues | Design x Ecology

28 april 2022 – 20:00-21:30

online + live uitzending in Design Museum Gent

met Formafantasma (IT) & Studio Plastique (BE) gemodereerd door Caroline Bianco (FR)

Uitstervende diersoorten, dorrende koraalriffen, microplastic in ons DNA, smeltende poolkappen, … Het is geen nieuws meer, maar wanneer worden we wakker? Wij als mensheid dragen de verantwoordelijkheid voor het voortbestaan van de aarde en alles wat erop leeft. Ons moederschip is aan het zinken en ze heeft lak aan onze excuses. Tijd om het tij te keren. Tijd om de wereld terug als bezield object te erkennen en onze complexe verbinding met haar te herstellen.

Meer dan een kwarteeuw geleden pleitte ontwerper Victor Papanek in zijn boek The Green Imperative voor een duurzame bewustwording in design. Naast het uitdelen van kritische sneren aan de toenmalige ontwerpwereld, gaf hij ook advies: (her)gebruiken van materialen die gerecycleerd kunnen worden, consuminderen, de natuur centraal stellen bij elk ontwerp en het afwijzen van zinloze esthetiek en fancy snufjes.

Anno 2022 blijft Papaneks betoog brandend actueel. De aangekaarte uitdagingen zijn nog urgenter geworden. Gelukkig schijnt er een kentering aan de designhorizon. Steeds meer ontwerpers worden zich bewust van hun medeplichtigheid en integreren een duurzaamheidsdenken in hun praktijk. Ze wijden zich aan transdisciplinair onderzoek en beschouwen hun ontwerpen als instrumenten die verandering kunnen faciliteren. In deze dialoog verkennen we samen met Formafantasma, Studio Plastique en Caroline Bianco de invloed van ontwerpers op het klimaat van de wereld.

Formafantasma (IT) is een ontwerpstudio die de ecologische, historische, politieke en sociale krachten onderzoekt die de hedendaagse ontwerpdiscipline vormgeven. Het doel is om een dieper begrip van zowel onze natuurlijke als onze bebouwde omgeving te bevorderen en om transformerende interventies voor te stellen door middel van design en de materiële, technische, sociale en discursieve mogelijkheden ervan.

Studio Plastique (BE) legt zich als designstudio toe op het ontwerpen van duurzame en empathische processen, materialen, producten en omgevingen door middel van samenwerkingen tussen verschillende disciplines. In de praktijk combineert de studio fantasierijke scenario's en kritische reflecties met diepgaande onderzoeken naar complexe materiaal supply chains en technologische infrastructuren.

Caroline Bianco (FR) is Associated Director bij Atelier LUMA, een ontwerp- en onderzoekslaboratorium gevestigd in Arles. Via het onderzoeken van de middelen en de knowhow in hun bioregio, en het verbinden van verschillende expertisegebieden, ontwikkelen ze lokale oplossingen voor ecologische, economische en sociale transitie.

Design x Ecology maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door het Design Departement van KASK & Conservatorium (HOGENT - Howest) en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

met Cream on Chrome (NL) & Fiona Raby (UK), gemodereerd door Nadin Botha (NL)

Ondanks het feit dat wij over meer informatie, instrumenten en kennis beschikken dan ooit tevoren, lijkt het alsof de problemen in de wereld op gespannen voet staan met elkaar.

Maar wie en wat definieert deze problemen? Hoe worden verschillende percepties en realiteiten die worden vormgegeven door het nieuws, technologie en voorwerpen, geconsumeerd? Moet iets echt zijn om gedachten en werkelijkheden te beïnvloeden?

Kan design worden gebruikt om het bereik te vergroten van wat wordt verbeeld en als mogelijk wordt beschouwd? En kan dit uitnodigen tot alternatieve houdingen, gedragingen en toekomsten? In deze Design Dialogues bespreken we het gebruik van de verbeelding en het imaginaire als hulpmiddelen in design, en hoe dit individuele agency en collectieve realiteiten beïnvloedt.

Design x Digital Collection maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door het Design Departement van KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Het concept is licht bijgestuurd: jong talent krijgt nu carte blanche om een ervaren expert uit te nodigen voor een inspirerende dialoog. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

met Olivia Vane (UK) & Jon Stam (NL), gemodereerd door Olivier Van D'huynslager (BE)

Design x Digital Collection is verbonden met het onderzoek van Design Museum Gent naar hoe de collectie digitaal kan worden getransformeerd tot een zinvolle gemeenschappelijke tool. Dit onderzoek gebeurt met het oog op de lancering van de nieuwe website bij de heropening van het museum.

Het ontwerp van een digitale collectie is vandaag een zeer relevant thema aangezien de fysieke sluiting van culturele instellingen omwille van de pandemie ertoe heeft geleid dat indien men in contact wou blijven met het publiek dit online moest gebeuren. Dit legde het gebrek aan strategieën bloot om de fysieke collectie te vertalen volgens een mediumspecifieke benadering, een onderbouwd ‘online cureren’ die nieuwe manieren van ontsluiten van kunst / design mogelijk maakt.
Het digitaal uitbreiden van traditionele methoden voor het presenteren, cureren en toegankelijk maken van de collectie is een echo naar André Malraux’ concept Le Musée imaginaire (1947). Hiermee wilde hij aantonen hoe de opkomst van nieuwe reproductietechnieken het mogelijk maakte om beelden vrij te combineren en zo verrassende verbanden te leggen tussen visuele tradities en motieven. Het idee van ‘het museum zonder muren’ en ‘het koppelen van gegevens’ – lang vóór de komst van linked data – brengt ons bij de eerste spreker.

Olivia Vane is een Londense datavisualisatie-ontwerper en -onderzoeker. Ze is gespecialiseerd in het digitaal visualiseren van grote culturele datasets en de vertaling ervan in gebruikersinterfaces, met als doel om nieuwe vormen van interactie en presentatie van erfgoedcollecties te verkennen. Momenteel werkt ze mee aan het onderzoeksproject Living with Machines bij de British Library en het Allan Turing Institute.

Jon Stam is een Nederlandse ontwerper die medeoprichter is van Commonplace Studio, een ontwerppraktijk die de kracht van het digitale transformeert in betekenisvolle materiële interacties. Stam heeft o.a. al nauw samengewerkt met culturele instellingen zoals Z33, MKG Hamburg, ...

De dialoog wordt gemodereerd door Olivier Van D'huynslager, digitaal strateeg bij Design Museum Gent en projectcoördinator van de Collectie van de Gentenaar.

Design x Digital Collection maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door het Design Departement van KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Het concept is licht bijgestuurd: jong talent krijgt nu carte blanche om een ervaren expert uit te nodigen voor een inspirerende dialoog. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

met James Mair (UK) & Christophe Urbain (BE), gemodereerd door Liv Vaisberg (NL)

Het gesprek Design x Patronship kadert in de expo 10 jaar Muller Van Severen. In dialoog met de collectie die momenteel te zien is in Design Museum Gent. In de tentoonstelling wordt onder meer het 10-jarig parcours van Muller Van Severen getoond aan de hand van 10 personen die mee hun pad hebben bepaald. Deze 10 figuren, waaronder James Mair, kunnen in de brede interpretatie van het woord als patrons of hedendaagse mecenassen worden beschouwd.

De meest elementaire definitie omschrijft een mecenas als ‘een persoon of organisatie die een ander ondersteunt’. Vandaag neemt in ons land veelal de overheid deze rol op in de vorm van het verlenen van subsidies aan kunstenaars en ontwerpers voor de financiering van hun praktijk. Maar de waarde van particuliere personen en organisaties – gaande van galeristen en designverdelers tot collectioneurs – mag niet onderkend worden. Door hen op diverse vlakken te te ondersteunen, zoals het bieden van een platform, een netwerk en financiële steun, door hen opdrachten te geven of gewoon een luisterend oor, treden zij op als katalysatoren binnen de carrièreontwikkeling van ontwerpers.

Liv Vaisberg, mede-eigenaar van designbeurs Collectible en het nieuwe Rotterdamse kunstplatform Huidenclub, gaat in gesprek met James Mair, eigenaar van de Londense design showroom Viaduct, en Christophe Urbain, mede-oprichter van de Gentse galerie Atelier Ecru. Centraal in het gesprek staat de relatie tussen patrons en ontwerpers. Kan een galerist of verdeler meer doen voor zijn protegés dan enkel het beheren en promoten van hun werk? Hoe ontstaat en verloopt zo’n samenwerking? En wat is vandaag het belang van deze moderne mecenassen? De sprekers geven hun inzichten vanuit hun persoonlijke ervaring en praktijk.

met Lisa Baumgarten (DE) & Alice Twemlow (UK), gemodereerd door Breg Horemans (BE)

De vraag naar zorgzaamheid in ons ontwerponderwijs klinkt elke dag luider. Ontwerpopleidingen opereren vaak als ‘ontmenselijkte ondernemingen’ gericht op tewerkstelling binnen een industrie gericht op ontginning en exploitatie.

In deze Design Dialogue exploreren we een kritisch feministisch perspectief dat probeert om de logica van ‘overvraging en overproductie’ te verzachten en te ontmantelen. We gaan op zoek naar wat ontwerponderwijs – van de kleuterschool tot de begeleiding van een doctoraatsstudent –  nodig heeft in een wereld die schreeuwt om een vernieuwende, helende designattitude. Hoe kunnen we processen van zorg in onderwijs zichtbaarder maken en naar waarde schatten? Hoe ontwikkelen we ontwerponderwijs in een burned-out society? En hoe kunnen designopleidingen hun positie als proeftuin voor persoonlijke en collectieve groeiprocessen vrijwaren?

Design × Teaching maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door het Design Departement van KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Het concept is licht bijgestuurd: jong talent krijgt nu carte blanche om een ervaren expert uit te nodigen voor een inspirerende dialoog. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

SPREKERS

Lisa Baumgarten (DE)

Lisa Baumgarten is een kritische ontwerpbemiddelaar. Ze is de co-creator van het participatieve onderzoeksplatform Teaching Design dat zich richt op ontwerponderwijs vanuit intersectionele feministische en dekoloniale perspectieven. Sinds 2017 doceert Lisa designtheorie en -praktijk aan Duitse en internationale universiteiten. In oktober 2021 startte ze als interim professor Design Sciences aan het Institute of Design Research van Braunschweig University of Art waar ze seminaries faciliteert in het Masterprogramma Transformation Design.
Naast haar creatieve praktijk is Lisa bezig met haar tweede Master in de culturele studies aan de Humboldtuniversiteit Berlijn. Haar huidige onderzoek richt zich op designonderwijs, de verwevenheid met neoliberalisme en vormen van veerkrachtige en emanciperende onderwijs-/leerervaringen. Lisa’s onderzoek werd gepubliceerd en gepresenteerd op onder andere de Creative Bodies-Creative Minds conferentie in Graz en in Form Design Magazine. Haar meest recente essay, geschreven in samenwerking met ontwerpfilosofe Mara Recklies, gaat over digitale leermiddelen en hun effecten op onderwijs-/leerruimtes in het ontwerponderwijs.

• https://lisabaumgarten.de/
• https://teaching-design.net/
• @lis.baum
• @teaching.design

Alice Twemlow (UK)

Dr. Alice Twemlow is onderzoekslector aan de Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten (KABK) in Den Haag en universitair hoofddocent aan de Universiteit Leiden, waar ze doctoraatsstudenten in de kunsten begeleidt. Ze is onlangs benoemd tot eerste bijzonder hoogleraar op de Wim Crouwel leerstoel Geschiedenis, theorie en sociologie van grafisch ontwerp en visuele cultuur aan de Universiteit van Amsterdam. Daar onderzoekt ze hoe een intersectionele data-feministische benadering kan worden gebruikt om het grafisch ontwerparchief te herlezen en daarmee te dekoloniseren.

Twemlow's onderzoek, op het snijvlak van designgeschiedenis, environmental humanities, literatuurwetenschappen en artistiek onderzoek, verkent onderwerpen als de relatie tussen tijd en design, wandelen als onderzoeksmethode en salvage of ‘opruimen’ als concept.
Voorheen was Twemlow hoofd van de Master afdeling Design Curating & Writing aan de Design Academy Eindhoven en daarvoor was ze de oprichtster van de MFA in Design Criticism en de MA in Design Research, Writing & Criticism aan de School of Visual Arts in New York. Haar boek, Sifting the Trash: A History of Design Criticism, werd in 2017 gepubliceerd door MIT Press.

• https://alicetwemlow.com/
• @alicetwemlow

MODERATOR

Breg Horemans (BE)

Breg Horemans is artistiek onderzoeker en medeoprichter van TAAT, een vloeibaar collectief van kunstenaars die werken op het snijvlak van performance en installatiekunst. Sinds 2011 heronderhandelt Breg zijn relatie tot architectuur door middel van transdisciplinaire samenwerkingen met een focus op het regeneratieve en performatieve potentieel van architectuur. Het verlangen van zijn praktijk ligt in een constante onderhandeling van relaties in de ruimte, zowel in de ervaring van installatiewerk als in hun respectievelijke creatieprocessen. De projecten die TAAT initieert zijn een aanzet tot een eeuwige prototyping van 'wordende ruimtes', als plekken voor ontmoeting, kennisdeling en leerprocessen in de breedste zin van het woord. Breg is verbonden als docent voor praktijkgericht leren aan de KULeuven.

• https://taat-shadow.netlify.app/
• @bregho_