Design Dialogues

Verity-Jane Keefe, beeldend kunstenaar, onderzoekt in haar werk de complexe relatie tussen mens en omgeving. Door middel van bewegend beeld, tekst en installatie verkent ze publieke ruimte niet enkel als een fysieke locatie, maar ook als een plek van verhalen, herinneringen en interacties. Haar praktijk richt zich op stedelijke herontwikkeling, waarbij ze zich afvraagt hoe kunst kan bijdragen aan het zichtbaar maken en versterken van zowel bestaande als vaak onzichtbare gemeenschappen.

In deze lezing gaat Verity-Jane Keefe in gesprek met de Ierse grafisch ontwerper, Paul Bailey, die grafisch ontwerp benadert als een kritisch instrument om de complexiteit van onze hedendaagse cultuur te ontrafelen.

In deze Design Dialogue verkennen beide sprekers de verbindingen tussen kunst, design en stedelijke ontwikkeling, de rol van creativiteit in het bouwen van betekenisvolle verbindingen, met daarbij een focus op de interacties binnen communities, in een tijd waarin de relatie tussen mens, ruimte en cultuur voortdurend in beweging is.

SPREKERS

Verity-Jane Keefe

Verity-Jane Keefe is een Britse beeldend kunstenaar die voornamelijk in de openbare ruimte werkt om de complexe relatie tussen mensen en plaats te verkennen. Ze is geïnteresseerd in de rol van de kunstenaar binnen stedelijke vernieuwing en hoe ervaringsgerichte methoden de ambities van bestaande en onzichtbare gemeenschappen kan raken en verhogen.
Sinds 2003 ontwikkelt ze nieuwe samenwerkingsmodellen binnen gemeentelijke en collaboratieve contexten, waarbij ze langdurige residenties aangaat die resulteren in projecten die de politiek van participatie onderzoeken.

Haar werkwijze kent vele vormen, maar begint altijd met rondhangen, plaats en archieven. Het toevallige, het afgeluisterde, het gesprek, het geobserveerde. Ze werkt met tekst, bewegend beeld, locatiegebonden onderzoek, archieven, installatie, drukwerk, sociale structuren en objecten.

Onlangs heeft ze een openbare opdracht uitgevoerd met de Towner Gallery (Eastbourne) en is ze de huidige Wheatley Fellow en Incidental Artist bij Eastside Projects (Birmingham), en is ze pre-doc kandidaat aan de ZHdK (Zürich). Ze is een associate lecturer aan Central Saint Martins waar ze lesgeeft in de BA Fine Art XD-richting en was voorheen Unit Master aan de Architectural Association.

Paul Bailey

Paul Bailey is een Ierse grafisch ontwerper, onderzoeker en docent, gevestigd in Londen (VK). Hij toont zijn werk via tentoonstellingen, publicaties, optredens, workshops, schrijven, lesgeven en curatie. Hij heeft samengewerkt met onder andere Forensic Architecture, het Victoria & Albert Museum, het Royal Institute of British Architects en het Irish Museum of Modern Art. Zijn studiopraktijk, onderwijs en onderzoek zijn internationaal bekroond, tentoongesteld en gepubliceerd.

Bailey is uitgenodigd als presentator, criticus, jurylid en examinator bij instellingen zoals de Architectural Association, Central Saint Martins, Goldsmiths University en het Royal College of Art (VK); de Icelandic Academy of the Arts (IS); en het National College of Art & Design (IE). Hij was mede-auteur en directeur van de MA Graphic Media Design cursus aan het London College of Communication, UAL (2014-22), en adviseur bij de Jan van Eyck Academie (2015-18).

Momenteel is hij professor voor Communicatieontwerp & Onderzoek aan de HfG Karlsruhe (DE), volgt hij een PhD in de Kunsten aan KASK & Conservatorium (BE), en leidt hij een onafhankelijk ontwerp-onderzoeksstudio (VK). Onlangs publiceerde hij 'I Shivered Violently / Don’t be Startled in the Night' met Bryony Quinn (Set Margins’).

Design Dialogues

Design x Connection maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol, impact en toekomst van design in een veranderende wereld. 

Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de spreker en het publiek. Onze missie: engagerende perspectieven aanreiken die designstudenten en -enthousiastelingen in staat stellen de uitdagingen van vandaag en morgen aan te gaan.

met Ruben Pater (NL), gemodereerd door Liesbeth Huybrechts (BE)

Wat is de verantwoordelijkheid van ontwerpers in de klimaatcrisis? In een tijd waarin de belangrijkste communicatieplatformen eigendom zijn van een paar miljardairs, en nepnieuws simpelweg een verdienmodel is? Ruben Pater houdt zich als grafisch ontwerper en onderzoeker bezig met die vraag. In zijn boeken The Politics of Design (2016) en CAPS LOCK (2021) zoekt hij naar het historisch verband tussen kapitalisme en ontwerp, en de mogelijke alternatieven. Hoe kunnen ontwerpers zich inzetten voor de publieke zaak met het oog op een leefbare, duurzame en rechtvaardige toekomst?

Samen met Professor Liesbeth Huybrechts, die onderzoek heeft gedaan naar de relatie tussen design en politiek, verkent Ruben Pater aan de hand van lokale voorbeelden hoe een bewuste ontwerphouding en zorgzame ontwerpvaardigheden kunnen bijdragen aan het in beeld brengen, verschuiven en activeren van de relaties tussen mensen onderling, maar ook tussen mens, de gebouwde omgeving en natuur. Deze lezing is een uitnodiging om kritisch na te denken over de rol van design in een tijd waarin culturele sensitiviteit en politieke verantwoordelijkheid urgenter zijn dan ooit.

Ruben Pater (NL)

Ruben Pater is een Nederlandse ontwerper in een tijd waarin meer design ongeveer het laatste is waar de wereld behoefte aan heeft. Op zoek naar ethische alternatieven ontwerpt, schrijft en doceert hij. Na het behalen van zijn bachelor in grafisch ontwerp in Breda, werkte Ruben Pater als ontwerper voor verschillende studio's in Nederland. Zijn werkervaring bracht hem ertoe een masteropleiding te volgen aan het Sandberg Instituut in Amsterdam, die hij in 2012 afrondde. Zijn praktijk combineert journalistiek, activisme en grafisch ontwerp onder de naam “Untold Stories”. Hij is auteur van twee boeken over visuele communicatie en design: The Politics of Design (BIS, 2016) en CAPS LOCK (Valiz, 2021). Zijn werk heeft meerdere internationale prijzen ontvangen en is te zien in tentoonstellingen over de hele wereld. Hij woont en werkt in Barcelona en doceert aan de Elisava School of Design and Engineering en het BAU College of Arts & Design.

Liesbeth Huybrechts (BE)

Liesbeth Huybrechts is Professor binnen de vakgebieden participatief ontwerp, designantropologie en ruimtelijke transformatieprocessen bij de onderzoeksgroep Arck, Civic and Policy Design aan de Faculteit Architectuur en Kunst van de Universiteit Hasselt in België. Haar onderzoek richt zich op ontwerpen voor/met participatieve uitwisselingen en processen van capaciteitsopbouw tussen mens en de materiële/natuurlijke omgeving, en op de ‘politiek’ van het vormgeven van deze relaties. Ze verkent deze thema’s in verschillende onderzoeksprojecten (fundamenteel, gesubsidieerd door de Europese Unie of in opdracht van overheden, publieke en private organisaties), in onderwijsprojecten, en in haar werk op het gebied van coördinatie en beleid.

Design Dialogues

Design x Politics maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol, impact en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de spreker en het publiek. Onze missie: engagerende perspectieven aanreiken die designstudenten en -enthousiastelingen in staat stellen de uitdagingen van vandaag en morgen aan te gaan.

Theo De Meyer (BE), gemodereerd door Geert Belpaeme (BE)

Kan de aandacht voor ‘spel’ in design en architectuur onze beleving van objecten en ruimtes veranderen? In deze Design Dialogue nodigt de Gentse architect Theo De Meyer, je uit om mee te denken over het potentieel van spel in architectuur en vormgeving. Onder de noemer Stand van Zaken – vertaald als State of Play – verkent hij samen met Stefanie Everaert de rol van spel in het ontwerpproces. Ze onderzoeken hoe spel vorm, functie en betekenis op een unieke manier samenbrengt. Hun benadering gaat verder dan puur plezier; het spelelement stimuleert creativiteit en maakt design zowel toegankelijk als betekenisvol.Tijdens zijn lezing deelt Theo De Meyer zijn visie op de kruisbestuiving tussen spel en ontwerp. Hoe beïnvloedt ‘spel’ de interactie tussen mensen en hun omgeving? Hoe kan het ontwerpers inspireren om buiten conventies te denken? Door zijn expertise en praktijkervaring werpt De Meyer licht op hoe een dergelijke benadering niet alleen tot innovatieve oplossingen leidt, maar ook bijdraagt aan het creëren van ruimtes en objecten die resoneren met een breed publiek. Met het spelelement als uitgangspunt worden niet alleen creatieve grenzen verlegd, maar ontstaat ook een brug tussen functionaliteit, esthetiek en menselijke beleving. Theo De Meyer gaat tijdens deze lezing ook in gesprek met artistiek onderzoeker en KASK & Conservatorium-docent Geert Belpaeme die de praktijk van de toneelspeler gebruikt als uitgangspunt voor een bredere verkenning van het spelelement en betekenisvorming in ons bestaan.

Sprekers

Theo De Meyer is een architect die woont en werkt in Gent (BE). De Meyer beweegt zich tussen architectuur, design en de kunsten, vaak in projecten die de verschillende disciplines samenbrengen. Hij speelt met context en schaal, interpreteert en transformeert, waardoor vanuit het bouwen nieuwe werelden ontstaan.

De Meyer is naast architect ook docent. Samenwerking speelt een belangrijke rol in zijn praktijk, over de grenzen van disciplines heen. Zo vormt hij met Stefanie Everaert -doorzon interieur architecten- de kern van het modulaire collectief Stand Van Zaken: bedenkers van meubelen en architectuur door samenwerkingen met specialisten in diverse vakgebieden. Stand Van Zaken ondersteunt het creëren en ontwikkelen van objecten, gebouwen en ideeën vanuit een gedeeld enthousiasme

Geert Belpaeme (BE) is theatermaker en speler. Hij studeerde in 2010 af aan de opleiding drama van KASK & Conservatorium waar hij sindsdien ook doceert en onderzoek doet. In zijn werk focust hij zich op de kracht en relevantie van clownerie als eigentijdse praktijk. Zijn artistieke taal combineert speelsheid met filosofische strengheid in voorstellingen die de overheersende narratieven van onze tijd willen uitdagen. Hij heeft recentelijk ook het essay De Speelse Mens geschreven, dat een filosofische verkenning van speelsheid in ons bestaan is.

Design Dialogues

Design Dialogues is een gecureerde lezingenreeks georganiseerd door het design departement van KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol, impact en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de spreker en het publiek. Onze missie: engagerende perspectieven aanreiken die designstudenten en -enthousiastelingen in staat stellen de uitdagingen van vandaag en morgen aan te gaan.

Floriane Fo Misslin (FR) & Bebe Books (BE) gemodereerd door Anna Luyten (BE)

Hoe kunnen queer methodologieën en perspectieven de designwereld verrijken? Deze Design Dialogue staat in het teken van de noodzakelijke integratie van LGBTQ+ methodologieën en perspectieven in het veld van design.

In de huidige debatten over design en gender wordt vaak de nadruk gelegd op het verwaarloosde of betwiste vrouwelijke lichaam evenals de instandhouding van stereotiepe genderidentiteiten. Hoewel deze kwesties van belang zijn, vertegenwoordigen ze slechts het topje van de ijsberg. Het creëren van een werkelijk inclusieve designbenadering vereist de integratie van diverse perspectieven en ervaringen van queer individuen en personen met niet-normatieve genderidentiteiten.

Het Gentse queer collectief Bebe Books, gespecialiseerd in het ontwerpen van contexten waarin diverse gemarginaliseerde stemmen worden vertegenwoordigd, gaat in gesprek met de in Londen gevestigde onderzoeker Floriane Fo Misslin, wiens doctoraal onderzoek focust op de ervaringen van LGBTQ+ modeontwerpers met de overheersende heteronormatieve standaarden in mode(fotografie). Een dialoog over hoe queer methodologieën en standpunten kunnen bijdragen aan het doorbreken van traditionele designparadigma's en het bevorderen van inclusieve ontwerppraktijken.

Design Dialogues

Design x Queer maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door KASK & Conservatorium / HOGENT en Howest, en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke Design Dialogue start met verdiepende presentaties van de sprekers rond een specifiek thema, gevolgd door een kritisch gemodereerd gesprek en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Onze missie: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

Kan design een katalysator zijn voor positieve verandering en bijdragen aan een meer inclusieve samenleving? Ontwerpkeuzes hebben een reële impact op de culturele, sociale, economische en politieke integratie van mensen in de samenleving. In deze Design Dialoguelaten Daniel Charny en Sara De Bondt hun licht schijnen op de cruciale verbinding tussen design en inclusiviteit. Door hun expertise en inzichten met ons te delen, gaan ze dieper in op de vele dimensies en het belang van inclusief design.

Bij inclusief design staat de mens centraal. Individuen zijn niet alleen gebruikers van producten en diensten. Ze zijn ook actieve actoren in besluitvormings-, zingevings- en veranderingsprocessen rond design. Om echte inclusiviteit te bereiken, moet de ontwerpbenadering verder gaan dan esthetiek en functionaliteit. Fysieke, zintuiglijke, cognitieve en affectieve eigenschappen moeten worden meegenomen in het ontwerpproces, samen met een bredere technologische, sociale, politieke, economische, ecologische en culturele context waarin ze interageren met dingen, andere individuen en de wereld. Dergelijke holistische benadering zorgt ervoor dat ontwerpen niet alleen visueel aantrekkelijk of functioneel zijn, maar ook tegemoet komen aan diverse menselijke behoeftes en capaciteiten.

Daniel Charny (UK)

Daniel Charny is een ontwerper, docent en creatief directeur die bekend staat om een reeks cultureel belangrijke projecten, zoals de tentoonstelling Power of Making in het V&A museum, het wereldwijde Maker Library Network en het bekroonde leerprogramma Fixperts. Samen met Dee Halligan was hij medeoprichter van Forth, een creatieve studio en Community Interest Company die zich bezighoudt met de nieuwe formats, modellen en ruimtes die nodig zijn om leren en betrokkenheid in een veranderende wereld te ondersteunen. Charny is internationaal actief en pleit voor design, creativiteit en maken als essentiële middelen voor een betere toekomst. Hij ontving de Sir Misha Black Award voor innovatie in designonderwijs en is professor in design aan Kingston University. Tijdens zijn lezing zal Charny reflecteren op inclusief ontwerpen door de lens van het Fixpertsleerprogramma.

Sara De Bondt (BE)

Sara De Bondt is een Belgische grafisch ontwerper, uitgever, onderzoeker en docent. In 2008 richtte ze samen met Antony Hudek de uitgeverij Occasional Papers op. Ze geeft les aan ECAL in Lausanne en KASK & Conservatorium / HOGENT en Howest in Gent waar ze een doctoraat in de kunsten doet. Eerder doceerde ze aan Central Saint Martins en Royal College of Art in Londen. De Bondt geeft regelmatig lezingen en werd in 2017 verkozen als lid van Alliance Graphique Internationale. In 2022 publiceerde ze haar meest recente boek, Off the Grid: Histories of Belgian Graphic Design, naar aanleiding van de gelijknamige tentoonstelling die ze samenstelde voor Design Museum Gent. In 2022 ontwierp ze In Plain Sight voor Wellcome Collection samen met het Britse architectenbureau OMMX. Deze tentoonstelling onderzocht de verschillende manieren waarop we zien en gezien worden door anderen, en de verschillende ervaringen van ziende, slechtziende en blinde mensen.

Design Dialogues

Design x Inclusivity maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door KASK & Conservatorium / HOGENT en Howest, en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke Design Dialogue start met verdiepende presentaties van de sprekers rond een specifiek thema, gevolgd door een kritisch gemodereerd gesprek en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Onze missie: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

Marlene Huissoud (FR) & Decentering Design (BE), gemodereerd door Anna Luyten (BE)

Design x More-than-Human verdiept zich in het groeiende besef dat wij mensen niet de enige bewoners van onze planeet zijn met een uniek perspectief. Steeds meer ontwerpers en kunstenaars onderzoeken wat we kunnen leren van niet-menselijke organismen waarmee we onze planeet delen en hoe we een dialoog tussen verschillende soorten tot stand kunnen brengen. Het wordt dringend tijd dat design zijn exploitatie van niet-menselijke soorten en hun materialen onderkent. We bevinden ons op een scharniermoment dat pleit om een designbenadering waarbij rekening gehouden wordt met de meer-dan-menselijke wereld.

Marlene Huissoud (FR)

Marlène Huissoud is een experimenteel ontwerper uit Parijs, werkzaam in de kunst- en designwereld. In 2014 behaalde ze een MA in Material Futures aan de Central Saint Martins School of Art and Design in Londen met From Insects, een onderzoeksproject naar materialen afkomstig van insecten, zoals de honingbij en de Indische zijderups. Haar werk daagt de conventionele ontwerpnormen uit en zet ons aan het denken over de ethische implicaties van onze relatie met natuurlijke grondstoffen en de rol van design in de wereld van vandaag. Door de chaos van de natuur te verenigen met de menselijke neiging om overal betekenis aan te geven, zet haar werk aan tot nadenken over de vraag of het misschien beter is om de wereld gewoon zijn gang te laten gaan. Haar creaties nodigen ons uit om onze menselijke impact op de aarde te heroverwegen en pleiten voor verantwoordelijke actie.

Decentering Design (BE) | vertegenwoordigd door Glenn Deliège

Decentering Design is een onderzoekseenheid die zich richt op hoe ontwerpers kunnen leren werken in en voor een meer-dan-menselijke wereld. Hun basisprincipe is dat ontwerpen voor een meer-dan-menselijke wereld vereist dat de menselijke ervaring gedecentraliseerd wordt binnen het ontwerpproces. Dit is een noodzakelijke stap naar het erkennen van onze wereld als een gedeelde omgeving die is opgebouwd uit een veelheid aan perspectieven. Paradoxaal genoeg begint zo’n decentralisatie van de menselijke ervaring met een herontdekking van onze eigen zintuiglijkheid. Onze zintuigen zijn geen passieve sensoren die de omgeving registreren, maar actieve organen waarmee we kunnen deelnemen aan een wereld waarvan we overduidelijk deel uitmaken, maar die tegelijkertijd onszelf overstijgt: een gedeelde, meer-dan-menselijke werkelijkheid. Door het gebruik en de ontwikkeling van speculatieve ontwerpmethodologieën, beoogt Decentering Design manieren in kaart brengen waarop ontwerpers rekening kunnen houden met de meer-dan-menselijke wereld in hun praktijk.

Decentering Design maakt deel uit van het onderzoekscentrum Futures through Design van HOGENT en Howest, ondersteund door KASK & Conservatorium.

Design Dialogues

Design x More-than-Human maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door KASK & Conservatorium / HOGENT en Howest, en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke Design Dialogue start met verdiepende presentaties van de sprekers rond een specifiek thema, gevolgd door een kritisch gemodereerd gesprek en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Onze missie: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

Is het al zo laat? Het gevoel voortdurend over te weinig tijd te beschikken is ons allemaal bekend. En dat gevoel lijkt alleen maar toe te nemen. Door de technologische ontwikkelingen wordt onze tijd steeds meer gefragmenteerd, waardoor we voortdurend achter de feiten aan te lijken hollen. We gaan in gesprek met twee designers die elk op hun eigen manier vat proberen te krijgen op onze omgang met tijd.

Momenteel structureert en stuurt klok- en kalendertijd het menselijk gedrag. Deze notie van tijd stamt uit onze voormalige agro-culturele samenleving, maar wordt anno 2023 nog steeds als vanzelfsprekend beschouwd. De Duitse ontwerper/kunstenaar en researcher Helga Schmid onderzoekt in haar werk alternatieve systemen van tijdsindeling die beter afgestemd zijn op onze huidige lichamelijke, mentale en sociale noden.

Het werk van de Belgische designer Nel Verbeke maakt ons bewust van onze relatie met tijd en noopt tot contemplatie en verstilling. Met haar recente reeks The Architecture of Time stelde ze het idee voorop dat een moment op zich een eigen architectuur verdient.

De lezing gaat online door. Schrijf je in via designmuseumgent.be om de Zoom-link & een herinnering op de dag van de lezing te ontvangen.

Sprekers

Dr Helga Schmid (DE) is een in Londen gevestigde kunstenaar/designer, onderzoeker en docent. Ze heeft een achtergrond als communicatie- en interactiedesigner en behaalde een postgraduaat aan de University of Applied Sciences in Augsburg, een masterdiploma aan de School of Visual Arts in New York en een doctoraat aan het Royal College of Art London. Schmid is resident in Somerset House en Program Director Graphic Design Communication aan London College of Communication. In 2018 was ze Designer in Residence in het Design Museum in Londen. Haar werk werd onder meer tentoongesteld in de Serpentine Gallery, het Design Museum, Dia Art Foundation NY, Z33 in Hasselt en het V&A Museum. Ze ontving verschillende internationale prijzen, waaronder de Art and Type Directors Award, en een Fulbright- en DAAD-beurs. In 2020 publiceerde ze het boek Uchronia: Designing Time.

Nel Verbeke (BE) is een in Brussel gevestigde designer die zich toelegt op het emotionele potentieel van design. Ze studeerde Concept Design aan de Design Academy in Eindhoven en volgde een opleiding Beeldende Kunsten aan Luca School of Arts in Gent. Vertrekkend vanuit onderzoek, waarin ze zowel terug- als vooruitblikt en kritisch reflecteert op de huidige tijdsgeest, komt ze tot situaties en objecten die onze relatie tot onszelf en tot wat ons omringt zowel bevragen als transformeren. Haar verfijnde en tijdloze creaties worden opgevat als proto-instrumenten: doordachte en delicate tools die toegewijde handelingen uitlokken en voorstellen in zich dragen voor toekomstige rituelen. Nel Verbekes werken herinneren ons aan het verstrijken van de tijd, creëren ruimte voor introspectie en contemplatie en nodigen ons uit om stil te staan en de emotionele ambivalentie van ons bestaan te omarmen. Nel Verbeke stelt haar werk tentoon in de context van Dutch Invertuals, BRUT en in diverse groepstentoonstellingen.

Design Dialogues

Design x Time maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door het Design Departement van KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Het concept is licht bijgestuurd: jong talent krijgt nu carte blanche om een ervaren expert uit te nodigen voor een inspirerende dialoog. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

Design X Female Building Power — met Vera Sacchetti & Mindy Seu, gemodereerd door Anna Luyten
Engels gesproken

Vandaag de dag is er een aanzienlijke toename van de zichtbaarheid van vrouwen in de designwereld. Maar zoals designcriticus Alice Rawsthorn samenvatte: "Moeten we dit verderzetten vanuit een dynamisch en kritisch discours... En hoewel er al veel hindernissen zijn overwonnen, wachten er nog vele andere."
Veel vrouwelijke designers hebben de grenzen van hun discipline verlegd en cruciale bijdragen geleverd aan het herdefiniëren van de betekenis van het begrip design. Ze tonen hoe vanuit een feministisch discours bestaande patronen van auteurschap, educatie en erkenning kunnen worden herzien. Ze plaatsen vraagtekens bij wie geschiedenis schrijft en wiens geschiedenis wordt geschreven. Zo geeft designer Mindy Seu een nieuwe kijk op de geschiedenis van het internet vanuit een feministisch perspectief en behandelt designcriticus Vera Sacchetti design en genderpolitiek in de vorm van teksten, tentoonstellingen en lezingen. Beiden plaatsen vrouwelijke ontwerpers op de voorgrond en pleiten voor hun zichtbaarheid als permanente conditie.

Vera Sacchetti (Lissabon, 1983) is een in Basel gevestigde designcriticus en curator. Ze is gespecialiseerd in hedendaags design en architectuur en is werkzaam als curator, onderzoeker en redacteur. Ze is programmacoördinator van het multidisciplinaire onderzoeksinitiatief Driving the Human: Seven Prototypes for Eco-social Renewal (2020-2023), en mede-oprichter van het Design and Democracy platform (2020-). Sacchetti is docent aan HEAD Genève en maakt sinds 2020 deel uit van  de Federal Design Commission of Switzerland. Samen met Matylda Krzykowski initieerde ze ook Foreign Legion, een curatorieel initiatief dat zich onder meer richt op design en genderpolitiek. Foreign Legion cureerde de tentoonstelling Add to the Cake: Transforming the rules of female practitioners (2019) en organiseerde aansluitend het symposium A Woman’s Work (2019).

Mindy Seu (Californië, 1991) is designer en technoloog gevestigd in New York. Haar diverse praktijk omvat archiefprojecten, techno-kritische teksten, performatieve lezingen, ontwerpopdrachten, het delen van informatie - meestal in de vorm van lijsten en spreadsheets - en samenwerkingen. In haar meest recente werk onderzoekt ze de historische voorlopers van de metaverse en onthult ze de materialiteit van het internet. Mindy’s continuerende Cyberfeminism Index, die drie decennia online activisme en internetkunst verzamelt, werd ontwikkeld in opdracht van Rhizome en in online vorm gepresenteerd in het New Museum. Voor de geprinte versie ontving ze een Graham Foundation Grant. Mindy Seu is assistent-professor aan de Rutgers Mason Gross School of the Arts en criticus verbonden aan Yale School of Art.

met Hella Jongerius & Amandine David, gemodereerd door Anna Luyten

De laatste jaren zien we in de ontwerpwereld een hernieuwde belangstelling voor het ambacht en de uniciteit van handgemaakte objecten.

De Japanse filosoof en oprichter van de Mingei (vertaald als ‘volkskunst’)-stroming, Yanagi Sōetsu (1889-1961), stelde dat de ambachtsman zich essentieel onderscheidt van designer en kunstenaar door zich dienend op te stellen naar materiaal, mens en maatschappij. Hij zag schoonheid in alledaagse gebruiksvoorwerpen gemaakt door onbekende ambachtslieden.

Steeds meer hedendaagse ontwerpers en designstudio’s laten zich inspireren door en verdiepen zich in traditionele ambachten. Oude technieken, waarin de hand van de maker centraal staat, worden gekoppeld aan moderne materialen, technieken en technologieën. Dit genereert nieuwe maakpraktijken waarbij vakmanschap hand in hand gaat met innovatie. De integratie van ambachtsprincipes binnen een hedendaagse ontwerppraktijk zorgt tevens voor een herwaardering van het maakproces en een viering van de unieke imperfecties van het eindproduct. De ‘dienende’ attitude van de ambachtsman kan tot slot nieuwe sociale dimensies genereren binnen een ontwerpproces.

Hella Jongerius (NL – 1963)

Hella Jongerius wordt internationaal beschouwd als een van de belangrijkste ontwerpers van haar generatie. Ze verwierf bekendheid door de eigenzinnige manier waarop ze industrie en ambacht, high en low tech, traditie en het hedendaagse combineert. In haar creaties tracht ze het juiste evenwicht te vinden tussen een industrieel serieproduct en een ambachtelijk vervaardigd unicum, steeds met bijzondere aandacht voor het maakproces en de relatie tussen gebruiker en gebruiksvoorwerp.

Jongerius' onderzoek is nooit af. De vragen die ze stelt in haar werk zijn open en de antwoorden provisoir in de vorm van (half)afgewerkte producten. Dat geldt ook voor alle ontwerpen van het door haar opgerichte Jongeriuslab: ze bezitten de kracht van afgewerkte producten, terwijl ze tegelijkertijd communiceren dat ze deel uitmaken van iets groters, met zowel een verleden als een onvoorspelbare toekomst. Door deze werkwijze benadrukt Jongerius niet alleen het belang van het proces, maar betrekt ze ook de kijker, de gebruiker, bij haar onderzoek.

Amandine David (FR/BE – 1988)

Amandine David is een in Brussel gevestigde Franse ontwerper, afgestudeerd aan Design Academy Eindhoven. Haar praktijk en onderzoek bevinden zich op het kruispunt van digitale technologieën en traditionele ambachten, zoals keramiek, vlecht- of weeftechnieken. Ze ziet verbinding, samenwerking en kennisdeling als een methodologie en kans om ontwerpprocessen te herdefiniëren. Ze is ook mede-oprichter van Hors Pistes, een nomadisch residentieprogramma dat uitwisselingen en samenwerkingsverbanden initieert tussen ambachtslieden en designers uit verschillende disciplines en culturen.

Design Dialogues

Design x Craft Attitude maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door de vakgroep design en vormgeving van KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Het concept is licht bijgestuurd: jong talent krijgt nu carte blanche om een ervaren expert uit te nodigen voor een inspirerende dialoog. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

met Formafantasma (IT) & Studio Plastique (BE) gemodereerd door Caroline Bianco (FR)

Design Dialogues | Design x Ecology

28 april 2022 – 20:00-21:30

online + live uitzending in Design Museum Gent

met Formafantasma (IT) & Studio Plastique (BE) gemodereerd door Caroline Bianco (FR)

Uitstervende diersoorten, dorrende koraalriffen, microplastic in ons DNA, smeltende poolkappen, … Het is geen nieuws meer, maar wanneer worden we wakker? Wij als mensheid dragen de verantwoordelijkheid voor het voortbestaan van de aarde en alles wat erop leeft. Ons moederschip is aan het zinken en ze heeft lak aan onze excuses. Tijd om het tij te keren. Tijd om de wereld terug als bezield object te erkennen en onze complexe verbinding met haar te herstellen.

Meer dan een kwarteeuw geleden pleitte ontwerper Victor Papanek in zijn boek The Green Imperative voor een duurzame bewustwording in design. Naast het uitdelen van kritische sneren aan de toenmalige ontwerpwereld, gaf hij ook advies: (her)gebruiken van materialen die gerecycleerd kunnen worden, consuminderen, de natuur centraal stellen bij elk ontwerp en het afwijzen van zinloze esthetiek en fancy snufjes.

Anno 2022 blijft Papaneks betoog brandend actueel. De aangekaarte uitdagingen zijn nog urgenter geworden. Gelukkig schijnt er een kentering aan de designhorizon. Steeds meer ontwerpers worden zich bewust van hun medeplichtigheid en integreren een duurzaamheidsdenken in hun praktijk. Ze wijden zich aan transdisciplinair onderzoek en beschouwen hun ontwerpen als instrumenten die verandering kunnen faciliteren. In deze dialoog verkennen we samen met Formafantasma, Studio Plastique en Caroline Bianco de invloed van ontwerpers op het klimaat van de wereld.

Formafantasma (IT) is een ontwerpstudio die de ecologische, historische, politieke en sociale krachten onderzoekt die de hedendaagse ontwerpdiscipline vormgeven. Het doel is om een dieper begrip van zowel onze natuurlijke als onze bebouwde omgeving te bevorderen en om transformerende interventies voor te stellen door middel van design en de materiële, technische, sociale en discursieve mogelijkheden ervan.

Studio Plastique (BE) legt zich als designstudio toe op het ontwerpen van duurzame en empathische processen, materialen, producten en omgevingen door middel van samenwerkingen tussen verschillende disciplines. In de praktijk combineert de studio fantasierijke scenario's en kritische reflecties met diepgaande onderzoeken naar complexe materiaal supply chains en technologische infrastructuren.

Caroline Bianco (FR) is Associated Director bij Atelier LUMA, een ontwerp- en onderzoekslaboratorium gevestigd in Arles. Via het onderzoeken van de middelen en de knowhow in hun bioregio, en het verbinden van verschillende expertisegebieden, ontwikkelen ze lokale oplossingen voor ecologische, economische en sociale transitie.

Design x Ecology maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door het Design Departement van KASK & Conservatorium (HOGENT - Howest) en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

met Cream on Chrome (NL) & Fiona Raby (UK), gemodereerd door Nadin Botha (NL)

Ondanks het feit dat wij over meer informatie, instrumenten en kennis beschikken dan ooit tevoren, lijkt het alsof de problemen in de wereld op gespannen voet staan met elkaar.

Maar wie en wat definieert deze problemen? Hoe worden verschillende percepties en realiteiten die worden vormgegeven door het nieuws, technologie en voorwerpen, geconsumeerd? Moet iets echt zijn om gedachten en werkelijkheden te beïnvloeden?

Kan design worden gebruikt om het bereik te vergroten van wat wordt verbeeld en als mogelijk wordt beschouwd? En kan dit uitnodigen tot alternatieve houdingen, gedragingen en toekomsten? In deze Design Dialogues bespreken we het gebruik van de verbeelding en het imaginaire als hulpmiddelen in design, en hoe dit individuele agency en collectieve realiteiten beïnvloedt.

Design x Digital Collection maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door het Design Departement van KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Het concept is licht bijgestuurd: jong talent krijgt nu carte blanche om een ervaren expert uit te nodigen voor een inspirerende dialoog. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

met Olivia Vane (UK) & Jon Stam (NL), gemodereerd door Olivier Van D'huynslager (BE)

Design x Digital Collection is verbonden met het onderzoek van Design Museum Gent naar hoe de collectie digitaal kan worden getransformeerd tot een zinvolle gemeenschappelijke tool. Dit onderzoek gebeurt met het oog op de lancering van de nieuwe website bij de heropening van het museum.

Het ontwerp van een digitale collectie is vandaag een zeer relevant thema aangezien de fysieke sluiting van culturele instellingen omwille van de pandemie ertoe heeft geleid dat indien men in contact wou blijven met het publiek dit online moest gebeuren. Dit legde het gebrek aan strategieën bloot om de fysieke collectie te vertalen volgens een mediumspecifieke benadering, een onderbouwd ‘online cureren’ die nieuwe manieren van ontsluiten van kunst / design mogelijk maakt.
Het digitaal uitbreiden van traditionele methoden voor het presenteren, cureren en toegankelijk maken van de collectie is een echo naar André Malraux’ concept Le Musée imaginaire (1947). Hiermee wilde hij aantonen hoe de opkomst van nieuwe reproductietechnieken het mogelijk maakte om beelden vrij te combineren en zo verrassende verbanden te leggen tussen visuele tradities en motieven. Het idee van ‘het museum zonder muren’ en ‘het koppelen van gegevens’ – lang vóór de komst van linked data – brengt ons bij de eerste spreker.

Olivia Vane is een Londense datavisualisatie-ontwerper en -onderzoeker. Ze is gespecialiseerd in het digitaal visualiseren van grote culturele datasets en de vertaling ervan in gebruikersinterfaces, met als doel om nieuwe vormen van interactie en presentatie van erfgoedcollecties te verkennen. Momenteel werkt ze mee aan het onderzoeksproject Living with Machines bij de British Library en het Allan Turing Institute.

Jon Stam is een Nederlandse ontwerper die medeoprichter is van Commonplace Studio, een ontwerppraktijk die de kracht van het digitale transformeert in betekenisvolle materiële interacties. Stam heeft o.a. al nauw samengewerkt met culturele instellingen zoals Z33, MKG Hamburg, ...

De dialoog wordt gemodereerd door Olivier Van D'huynslager, digitaal strateeg bij Design Museum Gent en projectcoördinator van de Collectie van de Gentenaar.

Design x Digital Collection maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door het Design Departement van KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Het concept is licht bijgestuurd: jong talent krijgt nu carte blanche om een ervaren expert uit te nodigen voor een inspirerende dialoog. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

met James Mair (UK) & Christophe Urbain (BE), gemodereerd door Liv Vaisberg (NL)

Het gesprek Design x Patronship kadert in de expo 10 jaar Muller Van Severen. In dialoog met de collectie die momenteel te zien is in Design Museum Gent. In de tentoonstelling wordt onder meer het 10-jarig parcours van Muller Van Severen getoond aan de hand van 10 personen die mee hun pad hebben bepaald. Deze 10 figuren, waaronder James Mair, kunnen in de brede interpretatie van het woord als patrons of hedendaagse mecenassen worden beschouwd.

De meest elementaire definitie omschrijft een mecenas als ‘een persoon of organisatie die een ander ondersteunt’. Vandaag neemt in ons land veelal de overheid deze rol op in de vorm van het verlenen van subsidies aan kunstenaars en ontwerpers voor de financiering van hun praktijk. Maar de waarde van particuliere personen en organisaties – gaande van galeristen en designverdelers tot collectioneurs – mag niet onderkend worden. Door hen op diverse vlakken te te ondersteunen, zoals het bieden van een platform, een netwerk en financiële steun, door hen opdrachten te geven of gewoon een luisterend oor, treden zij op als katalysatoren binnen de carrièreontwikkeling van ontwerpers.

Liv Vaisberg, mede-eigenaar van designbeurs Collectible en het nieuwe Rotterdamse kunstplatform Huidenclub, gaat in gesprek met James Mair, eigenaar van de Londense design showroom Viaduct, en Christophe Urbain, mede-oprichter van de Gentse galerie Atelier Ecru. Centraal in het gesprek staat de relatie tussen patrons en ontwerpers. Kan een galerist of verdeler meer doen voor zijn protegés dan enkel het beheren en promoten van hun werk? Hoe ontstaat en verloopt zo’n samenwerking? En wat is vandaag het belang van deze moderne mecenassen? De sprekers geven hun inzichten vanuit hun persoonlijke ervaring en praktijk.

met Lisa Baumgarten (DE) & Alice Twemlow (UK), gemodereerd door Breg Horemans (BE)

De vraag naar zorgzaamheid in ons ontwerponderwijs klinkt elke dag luider. Ontwerpopleidingen opereren vaak als ‘ontmenselijkte ondernemingen’ gericht op tewerkstelling binnen een industrie gericht op ontginning en exploitatie.

In deze Design Dialogue exploreren we een kritisch feministisch perspectief dat probeert om de logica van ‘overvraging en overproductie’ te verzachten en te ontmantelen. We gaan op zoek naar wat ontwerponderwijs – van de kleuterschool tot de begeleiding van een doctoraatsstudent –  nodig heeft in een wereld die schreeuwt om een vernieuwende, helende designattitude. Hoe kunnen we processen van zorg in onderwijs zichtbaarder maken en naar waarde schatten? Hoe ontwikkelen we ontwerponderwijs in een burned-out society? En hoe kunnen designopleidingen hun positie als proeftuin voor persoonlijke en collectieve groeiprocessen vrijwaren?

Design × Teaching maakt deel uit van de gecureerde lezingenreeks Design Dialogues georganiseerd door het Design Departement van KASK & Conservatorium en Design Museum Gent. Eigenzinnige stemmen uit het brede ontwerpveld worden uitgenodigd om te reflecteren over de rol en toekomst van design in een veranderende wereld. Elke lezing is een kritische dialoog rond een thema en wordt afgesloten met een open discussie tussen de sprekers en het publiek. Na een wervelende eerste editie zetten we koers richting een nieuwe reeks verdiepende gesprekken. Het concept is licht bijgestuurd: jong talent krijgt nu carte blanche om een ervaren expert uit te nodigen voor een inspirerende dialoog. Onze missie blijft ongewijzigd: engagerende perspectieven aanreiken die ons kunnen helpen bij de uitdagingen van vandaag en morgen.

SPREKERS

Lisa Baumgarten (DE)

Lisa Baumgarten is een kritische ontwerpbemiddelaar. Ze is de co-creator van het participatieve onderzoeksplatform Teaching Design dat zich richt op ontwerponderwijs vanuit intersectionele feministische en dekoloniale perspectieven. Sinds 2017 doceert Lisa designtheorie en -praktijk aan Duitse en internationale universiteiten. In oktober 2021 startte ze als interim professor Design Sciences aan het Institute of Design Research van Braunschweig University of Art waar ze seminaries faciliteert in het Masterprogramma Transformation Design.
Naast haar creatieve praktijk is Lisa bezig met haar tweede Master in de culturele studies aan de Humboldtuniversiteit Berlijn. Haar huidige onderzoek richt zich op designonderwijs, de verwevenheid met neoliberalisme en vormen van veerkrachtige en emanciperende onderwijs-/leerervaringen. Lisa’s onderzoek werd gepubliceerd en gepresenteerd op onder andere de Creative Bodies-Creative Minds conferentie in Graz en in Form Design Magazine. Haar meest recente essay, geschreven in samenwerking met ontwerpfilosofe Mara Recklies, gaat over digitale leermiddelen en hun effecten op onderwijs-/leerruimtes in het ontwerponderwijs.

• https://lisabaumgarten.de/
• https://teaching-design.net/
• @lis.baum
• @teaching.design

Alice Twemlow (UK)

Dr. Alice Twemlow is onderzoekslector aan de Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten (KABK) in Den Haag en universitair hoofddocent aan de Universiteit Leiden, waar ze doctoraatsstudenten in de kunsten begeleidt. Ze is onlangs benoemd tot eerste bijzonder hoogleraar op de Wim Crouwel leerstoel Geschiedenis, theorie en sociologie van grafisch ontwerp en visuele cultuur aan de Universiteit van Amsterdam. Daar onderzoekt ze hoe een intersectionele data-feministische benadering kan worden gebruikt om het grafisch ontwerparchief te herlezen en daarmee te dekoloniseren.

Twemlow's onderzoek, op het snijvlak van designgeschiedenis, environmental humanities, literatuurwetenschappen en artistiek onderzoek, verkent onderwerpen als de relatie tussen tijd en design, wandelen als onderzoeksmethode en salvage of ‘opruimen’ als concept.
Voorheen was Twemlow hoofd van de Master afdeling Design Curating & Writing aan de Design Academy Eindhoven en daarvoor was ze de oprichtster van de MFA in Design Criticism en de MA in Design Research, Writing & Criticism aan de School of Visual Arts in New York. Haar boek, Sifting the Trash: A History of Design Criticism, werd in 2017 gepubliceerd door MIT Press.

• https://alicetwemlow.com/
• @alicetwemlow

MODERATOR

Breg Horemans (BE)

Breg Horemans is artistiek onderzoeker en medeoprichter van TAAT, een vloeibaar collectief van kunstenaars die werken op het snijvlak van performance en installatiekunst. Sinds 2011 heronderhandelt Breg zijn relatie tot architectuur door middel van transdisciplinaire samenwerkingen met een focus op het regeneratieve en performatieve potentieel van architectuur. Het verlangen van zijn praktijk ligt in een constante onderhandeling van relaties in de ruimte, zowel in de ervaring van installatiewerk als in hun respectievelijke creatieprocessen. De projecten die TAAT initieert zijn een aanzet tot een eeuwige prototyping van 'wordende ruimtes', als plekken voor ontmoeting, kennisdeling en leerprocessen in de breedste zin van het woord. Breg is verbonden als docent voor praktijkgericht leren aan de KULeuven.

• https://taat-shadow.netlify.app/
• @bregho_